EXPO 2026

Patricia Berquin

De cordes en nœuds

Le nouage, technique populaire de transmission orale.
Trait d’union entre un matériau brut et une forme d’expression artistique rare, Patricia fait des nœuds. Elle noue toute sorte de matériaux, jute, sisal, coton, raphia, lin, laine, tissus découpés, dentelles, galons., etc…
Inspirée par les légendes, contes, mythes et autres proverbes… d’Afrique et d’ailleurs, Patricia noue le moment présent avec le respect du passé, et le devoir de transmettre. Elle travaille à mettre en évidence les valeurs profondes qui nous relient.

Jean-François Bottollier

Peinture

« Né en 1957 à Grenoble, je vis et travaille en région Lyonnaise.
Je peins sans cesse par séries, sur des thèmes porteurs d’émotions exhaussées par des oppositions de formes, et des contrastes de couleurs. Mon travail en quête de sens est fait de réflexion, de remise en question et de renouvellement avec des références formelles dans l’art médiéval, la BD, l’art primitif ou du moins une réinterprétation des codes que je leur prête. »
Les peintures de J.-F. Bottollier sont toutes porteuses d’idées, de messages, d’engagement humain, de valeurs émotionnelles et morales, de lectures, de voyages, de références historiques. Elles sont nourries de tout cela, ce qui leur apportent une luxuriante inventivité formelle et colorée…Comme s’il s’agissait d’apporter l’illustration ou la preuve d’une vérité d’ordre rationnel ou spirituel, par l’exaltation du sensible et de l’imaginaire.

Rebecca Campeau

Trognes et créatures

Rebecca Campeau est venue à la création artistique par le stylisme qui lui a donné le goût du travail avec le tissu et les papiers. Peintre, elle se définit essentiellement comme un « sculpteur textile » et une «papiériste ».
Elle sculpte des personnages connus ou anonymes.
C’est tout un univers qui défile dans son atelier à Belleville.
Rebecca Campeau fait partie de la collection des musées Nationaux en France et à L’étranger.

Jean Duranel

Peintre de la poésie

Appartenant à l’Art Singulier, l’œuvre de Jean Duranel est savante dans sa construction plastique, spontanée dans l’association des représentations. Cette œuvre nous renvoie une image originale de l’homme dans sa vie quotidienne, entre humour, parfois noir, et dérision, mais toujours à travers le prisme positif et indulgent de la poésie. Les couleurs s’opposent, se nuancent, et ne doivent rien au hasard. La réalité ne l’intéresse pas, il invente un monde onirique qui lui est propre.

Joanna Flatau

Peintre expressionniste

Joanna Flateau est née à Varsovie en Pologne.
Elle est diplômée d’Histoire de l’Art de l’Université de Varsovie et diplômée de l’Académie des Beaux-Arts de Varsovie (1969).
Depuis 1971, elle vit et travaille à Paris, d’abord comme graphiste et ensuite comme peintre. Son œuvre est animée d’une énergie mordante. Elle est colorée, grinçante, libre et contrastée. D’un expressionnisme fougueux, Joanna Flatau explore le féminin, l’être social et l’animal à travers un bestiaire humanisé, tendre et teinté d’humour.

Jorg Hermle

Peintre de la condition humaine

« La peinture de Jörg Hermle est faite de scènes de genre où son symbolisme tout personnel parle de notre époque. Scènes de table, de rue, de télévision, de plage, de repas familiaux : toute la vie est là dans sa peinture joyeuse, d’une fabuleuse virtuosité. Une virtuosité qui, ici, est au service du regard d’un sociologue-poète, aussi émerveillé qu’interrogatif, à la vue des mystérieuses préoccupations de ses semblables. Un regard incisif, scrutateur de l’intériorité-même de personnages figurés, mais toujours empreint d’une distance et d’une tendresse inquiète pour l’humanité ainsi représentée. C’est l’Ange de la lumière (et parfois des ténèbres) à la fois gardien et regardeur de nos actes, qui témoigne de l’étrange beauté de notre époque, et qui tente d’en percer l’énigme. »
Pierre Souchaud, Directeur éditorialiste d’Artension

Judith Latino

Peintre de l’absolu

La peinture et le collage sont devenus naturellement et de façon autodidacte des terrains de jeux dans lesquels j’élabore un langage qui m’est propre.
J’y expérimente notre condition par l’humour, l’étrange et l’inquiétant en tentant de rendre, le plus justement possible, un sentiment intuitif, inexplicable, et d’une certaine manière mystique.
Mes tableaux prennent la forme de pastiches mythologiques ou de contes détournés qui sont, au fond, un prétexte, un alibi pour peindre.
Je les peuple, presque en dehors de ma volonté, de diablotins espiègles, de totems maléfiques, de sorciers vaudous, de jeteurs de sorts et parfois de personnages enfantins, manipulés, d’une gentillesse terrible.
Je peins par plaisir et nécessité, à la recherche d’un amusement absolu et je n’ai rien à donner de plus précieux que cet amusement.

Catherine Legrand

Sculptrice en territoire intime

L’œuvre « hors-normes » de Catherine Legrand fouille des temps primitifs, ceux de l’intimité de notre propre histoire comme ceux des moments les plus hurlants de l’Humanité. Très autobiographique, son travail est également influencé par son rapport à la maladie mentale du fait de ses interventions d’artiste en milieu psychiatrique depuis de nombreuses années.
Ses sculptures énigmatiques posent la question de la fuite ou de la quête.
Depuis les années 2000, son atelier se peuple de personnages énigmatiques de plus en plus nombreux mêlant intrigues littéraires, histoires issues des réminiscences de l’enfance et histoires des hommes.
Aujourd’hui, ses personnages très stylisés tels des ombres, semblent sortir des tréfonds de nous-mêmes. Ils sont en papier mâché, fer, bois, objets récupérés, assemblés sans complaisance. Monstres ou divinités, ils représentent des foules en errance, en quête d’exister.
Philippe Legrand, psychanalyste.

Nicolas Longuet

Peinture d’assemblage

J’ai découvert très tôt le monde du théâtre qui m’a fasciné grâce à ma mère, professeur de théâtre. Quand j’avais 13 ans, elle a monté un spectacle sur l’univers de Jérôme Bosh et de Dante, je voyais mes jouets devenir des marionnettes. Je me suis mis à peindre des individus hors normes et grotesques, pas d’une manière humoristique ou caricaturale, mais dans ce que la laideur à de plus humain et fascinante. Le spectacle vivant, la marionnette et le masque sont omniprésents dans mes peintures, et ne parviennent que rarement à rester dans le cadre. Les éléments ont quitté la toile pour devenir volume et prendre vie en mouvement.

Christine Magne

Aquarelle

Christine n’est pas seulement activatrice d’art et collectionneuse, elle dessine depuis toujours et fait ses premiers pas en tant qu’artiste.
Sa palette lumineuse et joyeuse comme ses visages expressifs insufflent chaleur et humanité. Son univers onirique et symbolique met en avant la nature, la féminité, le cycle de la vie sous le signe de la protection, de la transmission et de la continuité entre générations.
Artiste singulière émergente à suivre !

Christian Mourey

Peintre de l’instant

« Christian Mourey crée le monde, sans cesse, le dessine, efface, recommence laborieusement et le caresse à nouveau. Chevalier fidèle. Comme le voyageur solitaire de Jean Dubuffet, il avance et se
surprend dans l’espace vide. Le centre de la toile en est la source d’où se projettent mille éclats de vie et de lumière. Alors les éléments s’harmonisent, se relient et se tissent. Il retrouve la mémoire et ses souvenirs s’emmêlent, se perdent puis rejaillissent. Sa main s’anime et l’œil s’enivre. L’arbre s’éclaire au soleil, l’œil observe… Les «Œils» nous regardent ; nous sommes les voyageurs qui suivons, au gré des vents, des chemins et des traces, le serpent arc-en-ciel des Aborigènes. »
Louis Parisel

N’Bo

Peintre de la femme sauvage

« Chercher le ressenti. Dénicher le sentiment si profondément enfoui. Déterrer la vie. Ressusciter les morts que nous sommes, gavés d’une société absurde. Toucher. Et détruire l’image lisse, reflet d’un monde gelé et bouillant. »
N’Bo revendique un retour à un état de sauvagerie primitive, sous les atours d’un monde contemporain dont elle veut s’affranchir : « le retour à la femme sauvage est fait de succions, aspirations, humidités, odeurs, le toucher est gluant… » Mais il porte en lui une renaissance, un retour à un état fœtal : « profond, mystérieux, doux, rugueux… mais aussi à la création, aux océans profonds aux sources vives, aux boues, aux décompositions, à la vie, à la mort, à l’amour… »
Louis Doucet

Jean Nicolas Reinert

La terre cuite et le Raku

Autodidacte depuis 1995, j’aime travailler la terre. 
Au début de mon travail artistique je m’exprimais en réalisant des têtes auxquelles j’ai progressivement ajouté corps, jambes et bras. Peu à peu, j’ai approfondi ma technique de modelage et de cuisson. J’ai surtout développé et confirmé un style personnel : mes personnages sont asexués, expressifs, ils traduisent des états d’âme que je ressens dans la vie au quotidien.
En 2004 j’intègre un atelier d’une grande surface, ce qui me permet de créer des personnages plus importants et plus variés : hommes, femmes et enfants. Je m’inspire de situations réelles pour en extraire les mouvements et les états d’âme. 
En juin 2007 je m’installe dans un nouvel atelier à Saint Ouen. Mes personnages évoluent vers de grandes têtes, un sexe, des corps marqués, des mains imposantes souvent tendues vers une quête indéfinie mais fortement chargée d’émotion. 
J’utilise la technique de cuisson RAKU, avec des oxydes et de la couverte mat. 

Bernard Thomas-Roudeix

Céramique

« J’ai commencé la céramique une dizaine d’années après la peinture. Je crois qu’il y a un double aspect : le fait que ce qui m’a intéressé dans la terre, ce sont les multiples possibilités techniques, à travers le colombage ou le travail de la plaque ; et au niveau de l’inspiration. Le thème est le même que dans les peintures : l’homme, dans ses difformités, ses handicaps, ses empêchements, etc.
Il y a eu un moment où mon désir consistait à retrouver dans la céramique ce que j’avais mis sur la toile. Il y a eu, d’ailleurs à un autre moment, un décalage, parce que les céramiques étaient davantage en rapport avec des peintures anciennes qu’avec celles que je réalisais simultanément. Je dirai que maintenant, peintures et sculptures vont de pair. Le travail de la terre m’inspire des choses qui ne sont pas forcément dans la peinture. »

Catherine Ursin

Peintre et sculptrice des corps

Catherine Ursin, artiste plasticienne, développe des pratiques multiples et engagées en situant le « corps » au cœur de son œuvre. Le « corps » est dessiné, sculpté, photographié, performé, parlé, écrit … Il apparaît comme une liaison entre passé et futur, un instant suspendu entre rupestre et sidéral. De la gestuelle picturale à l’expérience de la performance, le « corp s» demeure en mouvement perpétuel. Catherine Ursin traverse les techniques dans un rythme effréné, ne conservant que la puissance du rouge et la profondeur du noir. Les frontières se brisent et l’espace est investi. Elle y déploie ses formes humaines hybrides, relie les contraires, concilie les antinomies et cultive les oxymores. Entre cruauté et bienveillance, elle puise l’énergie dans les échanges et convie des complices de jeu à la catharsis.